Acontece que nem só de melhor filme  e melhor ator vive a premiação de hoje a noite.

Claro que não pretendo negar a importância destes dois prêmios, mas o Oscar tem muito mais a nos oferecer: melhor roteiro original, melhor direção de arte, melhor fotografia, melhor figurino, melhor canção e trilha originais, melhor documentário (torcida pelo “Lixo extraordinário” hein!)…enfim! Diversas categorias que, além de consagrar o filme, também presta uma homenagem àqueles que não aparecem no red carpet mas que trabalham duro para fazer a mágica do cinema acontecer (Ok, brega e batida, but gold!).

Portanto, neste domingo celebraremos o cinema e todos que o fazem acontecer. Acompanhe a cerimônia toda e assista aos filmes indicados em cada categoria!! Vale a pena!

=)

Leandro Samora

Crítica: O Vencedor

Outro dia meu irmão me chamou à sala para ver uma luta que ele estava assistindo. Os boxeadores desfilavam seus quase mil golpes por quase dez rounds e nenhum dos dois caía. Coisa de cinema. “Parece o Rocky”, disse meu irmão. Mas não era. Era Micky Ward em um de seus épicos confrontos com Arturo Gatti.

A história de Micky Ward é dessas fábulas modernas que você custa a acreditar que seja verdade, mas o fato de realmente ter acontecido dá aos eventos um aspecto todo especial. Suas lutas são cinematográficas e sua determinação, inspiradora. Merece ir pro cinema e virar um excelente filme… e foi. (Veja o filme e depois procure as lutas no Youtube!). O Vencedor (The Fighter, 2010) conta um trecho conturbado da vida de Ward (Mark Walbergh, no melhor papel que eu já vi ele fazer). Ward é um cara simples, gente boa, mas num constante dilema interno. Preza e respeita sua família, a coisa mais importante para ele. Por outro lado, sua família é justamente o maior problema de sua vida. Começou a lutar boxe pela admiração incondicional ao seu irmão, Dicky Ecklund (Christian Bale), um lutador que teve seu momento de glória ao nocautear o famoso Sugar Ray Leonard, mas que depois se afundou no vício do crack. A mãe dos dois (Melissa Leo), também empresária de Ward, tem uma noção de carinho pelo filho bastante controversa, esbarrando nos interesses pela sua carreira. As várias irmãs se limitam a ser uma extensão desse caráter duvidoso da mãe, um bando de papagaios empoleirados com seus cabelos estilosos da década de 90. E no meio disso tudo, Ward tentando segurar as pontas. Família grande, família problemática.

Em alguns momentos, O Vencedor lembra um pouco um livro de Will Eisner. O velho mestre da Era de Ouro dos quadrinhos criou várias histórias sobre as comunidades judaicas fechadas nas quais cresceu nos EUA, histórias nas quais os bairros adquiriam uma identidade própria graças às relações entre seus moradores e onde velhos conceitos como honra e orgulho eram questões vitais. A história de O Vencedor tem as raízes em Lowell, uma cidade operária em Massachussetts. Dicky Ecklund, a personagem do absurdamente bom Christian Bale, um dia foi conhecido como o Orgulho de Lowell, o motivo que dava alegria para toda sua comunidade e o nocaute em Sugar Ray foi o evento que o transformou no herói local. Entretanto, escolhas erradas o reduziram a – literalmente – metade do que ele um dia foi.

Logo, O Vencedor se transforma em não um filme de boxe, mas um filme sobre a honra, sobre a família. Porque Micky Ward não precisa simplesmente se tornar um boxeador; ele precisa resgatar a honra de seu irmão, fazer valer as oportunidades que o outro deixou passar. Precisa resgatar e se tornar o novo Orgulho de Lowell. E a comunidade se mostra dura no momento de cobrar isso.

Todos essa responsabilidade pesa, durante todo o filme, nos ombros da personagem de Mark Walbergh e o ator faz um excelente trabalho na hora de demonstrar todo esse sentimento. Na verdade, há tempos eu não via um filme no qual tantas atuações boas tomavam a tela. Christian Bale está excelente no papel do boxeador viciado, que também carrega uma carga dramática tremenda. A entrega do ator aos seus papéis já é notória – e a mudança de peso para cada filme já é figura marcada na internet. Melissa Leo, a mãe, também está ótima e é grande candidata ao Oscar, embora suas chances possam ter reduzido devido ao seu polêmico pedido de votos, coisa que a Academia não gosta nem um pouco. Amy Adams, no papel da namorada de Ward é outra atração à parte, embora não tenha tanto tempo de tela quanto Melissa Leo, por exemplo. A atriz vem numa ótima ascendência no cinema, sempre muito boa em seus papéis e é outra candidata a um anãozinho dourado.

O Vencedor é um filme empolgante e inspirador, com ótimas atuações. E, pô… “parece o Rocky”. Só que de verdade!

Indicações ao Oscar 2011:

Melhor Filme

Melhor Diretor (David O. Russel)

Melhor Ator Coadjuvante (Christian Bale – Dicky Eklund)

Melhor Atriz Coadjuvante (Melissa Leo – Alice Ward)

Melhor Atriz Coadjuvante (Amy Adams – Charlene Flaming)

Melhor Roteiro Original

por Ricardo Amarante

Crítica: A Rede Social

O retrato de uma geração. Esse foi um qualificativo utilizado para descrever Trainspotting, de Danny Boyle, em 1996. E foi retomado agora, para se referir ao novo filme do diretor David Fincher, A Rede Social (The Social Network). Porém, da mesma forma que era uma denominação extremamente desastrada quando aplicada ao filme de Boyle, ela também o é em relação à nova obra de Fincher. Um pequeno grupo de jovens escoceses, viciados em drogas e inconsequentes, ou seja, as personagens de Trainspotting, não é exatamente o retrato de uma geração, mas sim de uma parte dela. É uma tarefa impossível englobar todas as nuances dessa geração em um único filme. O motivo dos dois filmes receberem essa denominação é comum: ambos tratam de questões extremamente atuais, assuntos vistos em qualquer canal de televisão, nas páginas do jornal e da Internet. De um lado, os jovens sem rumo e a difusão das drogas sintéticas durante a década de 90, e, do outro, a malha de relações virtuais construídas em torno do Facebook, a rede social mais popular do mundo.

A proposta básica de A Rede Social, portanto, é contar toda a trajetória da fundação do site de relacionamentos, bem como os processos enfrentados pelo seu co-criador, Mark Zukenberg (Jesse Eisenberg, de A Lula e a Baleia e Zumbilândia, em interpretação acertada). Porém, não é apenas “o filme do Facebook”, mas uma tentativa, extremamente bem sucedida, de tecer um comentário irônico e inteligente sobre a comunicação no mundo moderno, sobre as relações interpessoais nos tempos de internet. Os principais responsáveis pelo filme não ser apenas a história de um jovem brilhante, que se torna o mais jovem bilionário do mundo, são o roteirista Aaron Sorkin e o diretor David Fincher. Sorkin, criador da maravilhosa série de TV The West Wing (1999-2006), é famoso por seus textos repletos de diálogos rápidos, inteligentes, por vezes excessivamente verborrágicos. É o tipo de roteiro que faz o espectador pensar: “As pessoas reais não dizem coisas tão adequadas e espertas com essa naturalidade”. A verborragia de Sorkin, que lembra a dos grandes dramaturgos, encontra a interpretação perfeita nas mãos de Fincher. O diretor é capaz de entregar um filme cheio de tensões, que prende a atenção do público, mas no qual as personagens se mantém sentadas, conversando, quase todo o tempo. Quando não estão sentadas destilando palavras afiadas, fazem isso de pé. E esse é um feito incrível desse grande diretor, que realizou obras perfeitas como Clube da Luta (Fight Club, 1999) e Zodíaco (Zodiac, 2007), mas parece que só após ter dirigido O Curioso Caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button, 2008) passou a chamar atenção dos responsáveis pelas premiações.

A criação do Facebook é contada, em meio a idas e vindas no tempo, tendo como foco central o processo movido pelo brasileiro Eduardo Saverin (Andrew Garfield, o novo Homem-Aranha) contra seu ex-parceiro e ex-amigo Zukenberg. Os dois, alunos da Universidade de Harvard, se unem na criação de um website de interação social, baseados em uma ideia de Zukenberg, o Facemash (cujo invento é mostrado com um brilhantismo inusitado na longa sequência inicial). Tendo como base o Facemash, os gêmeos Cameron e Tyler Winklevoss estendem uma proposta de sociedade a Zukenberg, para a criação de uma rede social que englobasse os alunos de Harvard. Sem o conhecimento dos gêmeos, Zukenberg, com a ajuda de Saverin, cria outra rede, o afamado Facebook, despertando a ira dos Winklevoss. Com a entrada em cena de Sean Parker, papel perfeito para Justin Timberlake (sim, aquele cara do N’sync), Zukenberg vai se afastar cada vez mais do amigo Eduardo, enquanto observa o Facebook atingir mais de um milhão de usuários. Parker é o criador do Napster, o primeiro programa de compartilhamento de arquivos da internet, e uma espécie de popstar da informática. Ele funciona como uma espécie de agente ativador da ambição de Zukenberg, que, no caminho de se tornar bilionário, perde a confiança de seu único amigo.

Não importa se os eventos reais ocorreram dessa forma ou não. O que é significativo é a relevância que a mensagem trazida pelo filme possui. Qual é a satisfação ilusória que grande parte dos jovens atualmente tem ao observar uma lista de centenas de amigos no Orkut, no Facebook? Pessoas com as quais talvez nunca se encontrem, com quem nunca trocarão um aperto de mão, um abraço, das quais nunca ouvirão o som da voz. Isso representa, ao mesmo tempo, uma expansão da comunicação e um enfraquecimento nas relações interpessoais, um aumento na superficialidade dessas “amizades”. O Zukenberg cinematográfico, por exemplo, é o responsável pela criação de uma imensa malha de “amigos”, e, ao fazer isso, se torna rico e perde seu único amigo real. O verdadeiro Zukenberg serve apenas como base para a criação desse excelente filme, que, além de conseguir traçar uma interpretação tão pungente da comunicação virtual que rege o mundo atualmente, com seus defeitos e qualidades, foge de transformar suas personagens em nerds caricaturados. Eles são nerds reais, com sentimentos humanos. E isso é mostrado perfeitamente na cena final, quando, finalmente, os personagens param de falar. É difícil esquecer a solidão patética e extremamente triste impressa no rosto de Jesse Eisenberg, enquanto os Beatles cantam Baby, You Are a Rich Man, ao fundo. E é difícil deixar de notar o desespero silencioso expresso pelo olhar fixo do ator. Fixo na tela de um notebook.

Indicações ao Oscar 2011:

Melhor Filme

Melhor Diretor (David Fincher)

Melhor Ator (Jesse Eisenberger – Mark Zuckerberg)

Melhor Roteiro Adaptado

Melhor Trilha Sonora

Melhor Mixagem de Som

Melhor Fotografia

Melhor Edição

por Ricardo Amarante

Crítica: Toy Story 3

Existem dois estúdios no mundo que podem ser classificados como fábricas de obras-primas. Um deles, o Estúdio Ghibli, está no Japão, tendo como principal figura o gênio Hayao Miyazaki, chamado constantemente de Walt Disney japonês. Ele não é nenhum Walt Disney japonês, ele é muito mais do que isso. É simplesmente o diretor mais criativo em atividade, juntamente com David Lynch. Relacionada a Walt Disney, no ocidente, se encontra a outra fábrica, a Pixar. Após a morte do pai de Mickey Mouse, as animações do estúdio ficaram, quase sempre, à sombra das grandes obras de seu fundador. Logicamente, grandes filmes foram feitos, como A Bela e a Fera (The Beauty and the Beast, 1991) e O Rei Leão (The Lion King, 1994). Mas foi somente em 1995, com o lançamento do primeiro Toy Story, que algo verdadeiramente único apareceu. A Pixar, que já havia realizado brilhantes curta-metragens, desenvolveu projetos que simplesmente garantiram a sobrevivência dos estúdios Disney. O tempo foi passando, grandes filmes animados foram sendo feitos, a animação em computadores foi se sobrepondo à animação tradicional (coisa que Miyazaki e seus discípulos nunca abandonarão) e a Disney comprou a Pixar, incorporando-a definitivamente. Após essa compra, duas obras-primas foram lançadas, Wall-e (2008), que é com certeza um dos melhores filmes dessa última década, e Up – Altas Aventuras (2009). E, em 2010, com o lançamento de Toy Story 3, presenciamos o fechamento de um ciclo. Um ciclo de pioneirismo, de criatividade e de maturidade atingida. Tudo isso sintetizado na história dos dois amigos (e ex-rivais) Woody e Buzz, que são dois brinquedos falantes.

No primeiro filme, acompanhamos a formação da amizade de Woody e Buzz, dois brinquedos que representam elementos opostos. Enquanto Woody (voz de Tom Hanks) é o caubói, o brinquedo à moda antiga, Buzz Lightyear (Tim Allen) é um astronauta, cheio de recursos. Um representa o tradicionalismo dos brinquedos artesanais, e outro, a tecnologia das diversões modernas. Não é ir muito longe comparar as duas personagens com os caminhos seguidos pelo cinema de animação. A animação tradicional se viu ameaçada de desaparecimento com a chegada da digital, e é essa a sensação inicial de Woody em relação a Buzz. O caubói teme que seu dono, o menino Andy, o esqueça, preterindo-o a favor do outro brinquedo, mais moderno e cheio de apetrechos. Enquanto rivais, os dois não realizam nada, só semeiam intrigas e desgostos entre seus companheiros. No momento em que se unem, descobrem a possibilidade de serem grandes amigos, realizando grandes feitos. Da mesma forma, a animação moderna não irá a lugar nenhum se desprezar a influência e os ensinamentos legados pelos clássicos do cinema do gênero. Esquecendo dessa alma, e de que a história é a base de um bom filme, ficamos com obras frias e sem-graça como Robôs (Robots, 2005) e o primeiro Era do Gelo (Ice Age, 2002).

Em 1999, foi lançado Toy Story 2, no qual Woody se viu vítima de um ganancioso colecionador. O filme, bem superior ao primeiro, introduziu um novo tema: a possibilidade dos brinquedos se tornarem relíquias, peças de museu, perdendo todo o encantamento que possuíam ao fazerem parte das brincadeiras de seus donos. E é essa questão que explode com maestria no terceiro filme. O menino Andy deixou de ser uma criança, atingiu o momento da vida em que vai sair de casa para se dirigir à universidade. Esse é um ponto de sua existência em que os brinquedos são apenas recordações do que um dia foi sua infância. São o recheio de algum baú, o enfeite de alguma estante, e não mais peças fundamentais de sua diversão e do seu cotidiano. É impossível ao espectador não relacionar esse sentimento com a sua própria vida, principalmente se esse espectador tiver crescido assistindo aos filmes da trilogia. A mãe de Andy, portanto, pede ao filho que escolha o que fazer com seus brinquedos. Há várias opções, como guardá-los no sótão ou doá-los a um orfanato. Após alguns desentendimentos, os brinquedos acabam parando, por engano, no tal orfanato, onde, magoados pelo abandono de Andy, são recepcionados pelos habitantes do local. O aparentemente amigável ursinho-cor-rosa-com-cheirinho-de-morango Lotso (voz de Ned Beatty), uma espécie de governante do local, promete maravilhas aos recém-chegados. Woody, acreditando que Andy não os abandonou, deixa o local, enquanto Buzz e os outros se sentem esperançosos com a perspectiva de se tornarem a diversão de novas crianças. A ilusão dura pouco, quando se deparam com verdadeiros demônios em forma de infantes, que os desmembram, maltratam, numa verdadeira sessão de tortura diária. E Lotso começa a revelar suas tendências autoritárias, mantendo os brinquedos sob vigilância. Na viagem de retorno à casa de Andy, Woody acaba por descobrir a verdade sobre a história do ursinho rosado. Com o coração despedaçado por um incidente do passado, Lotso descarrega suas mágoas sendo um ditador para os outros brinquedos. De posse dessa informação, o caubói organiza um plano de fuga para libertar seus amigos. Nessa aventura, se misturam cenas hilárias, principalmente as protagonizadas pelo Sr. Cabeça de Batata e por Ken (o namorado da Barbie), com outras cheias de suspense e assustadoras, como a tortura de Buzz.

Ao final, tem-se a sensação de que uma época está chegando ao fim. É o final da primeira história contada em um longa-metragem pela Pixar. É o final da infância. O final de um momento da vida, enfim. E, ao mesmo tempo, é uma continuidade do que importa. A continuidade da amizade e da memória que obtemos dessa parte da vida que já se foi. E também é um sinal de que a Pixar continuará realizando alguns dos filmes mais adoráveis e emocionantes do cinema atual. Em 1995, talvez ninguém imaginasse que a história de Woody e Buzz fosse se tornar uma das metáforas mais bem desenhadas sobre a transição, sobre a chegada da maturidade e sobre os sentimentos que carregamos conosco. Sentimentos esses que se originam na infância, e que continuam em nossas mentalidades por toda a vida, mistura de memória com escolhas. Decisões que dizem respeito ao que escolhemos seguir, ao que precisamos deixar para trás para continuarmos. Talvez nem seja deixar para trás, mas passar adiante, entregar esses momentos a quem deve vive-los, a quem passa pelo momento de vive-los. Tudo isso está sintetizado na sequência final, uma das mais belas e emocionantes da história do cinema, e posso dizer isso sem medo. A pergunta é: como o pessoal da Pixar consegue ser tão bom? Como conseguem contar essas histórias tão bem, nos comover tanto? É possível que Toy Story 3, pesando todas suas qualidades, seja o melhor filme do ano passado. E, com isso em mente, surgem mais perguntas: qual a razão do filme não receber mais prêmios, mas sim ser incluído no nicho de “Filme de Animação”? A indicação ao Oscar de Melhor Filme ocorreu, mas ninguém cogita a possibilidade de vitória. Afinal, por que não premiar um filme sobre brinquedos que falam, ao invés de outro sobre um rei que não consegue falar?

Indicações ao Oscar 2011:

Melhor Filme

Melhor Roteiro Adaptado

Melhor Filme de Animação

Melhor Canção Original (We belong together)

Melhor Edição de Som

por Ricardo Amarante

Todo sonho é uma realização de desejo, segundo Freud. O sonhar realiza uma atividade paralela, e, ao mesmo tempo, influente na vida desperta. Os desejos presentes nos sonhos passam por instâncias como a censura e a transformação em símbolo para que surjam diante dos nossos olhos adormecidos. São elaborações complexas, cujo fio condutor é dificilmente encontrado. Dotadas de diversos níveis, ambientes que substituem um ao outro sem nenhum movimento lógico, a arquitetura do sonhar foi desbravada por grandes pensadores. Cineastas como Fellini e David Lynch possuem uma atração quase magnética pelos ambientes oníricos, e a representam como poucos. Mas todos esses intérpretes dos sonhos, de certa forma, prestam tributo à teoria freudiana da realização do desejo. E, nesse sentido, pode-se contar Christopher Nolan entre as fileiras dos freudianos, mesmo que ele não saiba disso. A Origem (Inception) é um sonho. Não é apenas um filme sobre sonhos, o filme é um sonho. Porque todo seu processo de composição, escrita do roteiro, criação dos visuais e dos efeitos, tomou cerca de dez anos. E o lançamento do filme, em 2010, representa a realização do desejo, a realização de um projeto extremamente ambicioso e ousado.

A base para a história do filme é até simples, e linear. Lembra aqueles filmes antigos de golpes, ou de fugas da prisão, como Fugindo do Inferno (The Great Scape, 1963), com Steve McQueen. Uma equipe é reunida, para realizar determinada tarefa. Cada personagem possui seu papel, indispensável para o cumprimento da missão. O objetivo aqui é a invasão dos sonhos. Don Cobb (Leonard DiCaprio, numa de suas melhores atuações) possui a habilidade, e a tecnologia, de penetrar no subconsciente alheio e extrair os segredos escondidos nela. Porém, após uma missão fracassada, o ladrão dos sonhos e sua equipe são pressionados a embarcar em uma nova experiência. Ao invés de extrair uma ideia, eles devem implantá-la (daí o título original, Inception). Em troca desse feito, Cobb poderá se encontrar com seus filhos novamente, algo que não ocorre desde a morte de sua mulher (a maravilhosa atriz francesa Marion Cotillard). A imagem de sua falecida esposa é uma constante nos sonhos do próprio Cobb, o que acaba por dificultar seu trabalho.

Entregar mais detalhes da trama é estragar o prazer de descobrí-la, e o encantamento que pode surgir ao se presenciar a habilidade de Christopher Nolan de tornar suas histórias complicadas. O diretor e roteirista joga seus personagens, com seu objetivo direto de implantar uma ideia, em um labirinto imagético e narrativo. O excelente elenco, que ainda conta com Ellen Page (tomara que a pobre garota se livre da maldição de um dia ter sido Juno), Ken Watanabe, Tom Hardy e Joseph Gordon-Levitt (os dois últimos sérios candidatos a astros da nova década) passeia por camadas de sonho, e pelas páginas de um roteiro invejavelmente bem armado. E Nolan conduz sua orquestra onírica como um maestro sonâmbulo, navegando por mares loucos, evitando os escolhos que podem, muito facilmente, tornar seu filme confuso. E esse gosto pela narrativa não-linear, que marca a identidade de Nolan como autor, pode muito bem acabar por ser seu ponto fraco. Seu filme mais linear, Insônia (Insomnia, 2002), é justamente o mais fraco. Amnésia (Memento, 2000), seu primeiro sucesso, não funcionaria sem a história sendo contada de trás para a frente. As inúmeras reviravoltas do excelente Batman: O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight, 2008) servem como injeções de gasolina no filme, que o mantém cada vez mais vivo, e correndo. O que seria de Nolan sem seus roteiros complicados? O diretor pode se perder em meio a suas histórias, como aconteceu com O Grande Truque (The Prestige, 2006), que se transforma, inesperadamente, em uma ficção científica. Esse filme é, por sinal, um dos que melhor nos dizem sobre a identidade tão peculiar de Nolan como diretor. A história é sobre dois ilusionistas, e essa parece também ser a ocupação do diretor: Nolan é um ilusionista. Usa de todos os truques a seu dispor, narrativos e visuais, para contar sua história, e para iludir o público, enredá-lo nas suas tramas tortuosas. Em A Origem, o espectador é convidado a penetrar no mundo dos sonhos, a fazer companhia a Lorde Morpheus, até o ponto em que não se sabe mais o que é realidade e o que é sonho. E se o sonho fosse o mundo real?

Auxiliado por bons atores, fotografia e edição extraordinárias, edição de arte inovadora, efeitos sonoros e visuais que realmente representam algo indispensável ao filme, e pela arrepiante trilha sonora de Hans Zimmer, Nolan manipula o seu público, comanda o seu show, ilude, diverte, faz suspense, drama, desperta emoções e confunde. Ou seja, faz cinema. E faz um grande cinema. A Origem foi surpreendente para muitos, e sua narrativa intrincada, ligada ao maravilhoso visual, criou uma certa onda de entusiasmo exagerado entre parte dos críticos e do público. Daqui a alguns anos saberemos se o filme é tão inovador e revolucionário. É uma experiência cinematográfica maravilhosa, pode-se dizer. Única em alguns aspectos, como no excelente clímax, que conta com uma luta inacreditável, e cortes de cena quase irreais de tão bem feitos. O que temos como certo até agora é que Christopher Nolan conseguiu outro grande sucesso, lançando atores promissores, e nos mostrando que capacidade técnica unida com um bom roteiro pode trazer resultados muito bons. Mas ainda resta o perigo de Nolan, o grande manipulador, se perder na complicação da própria trama. É a constante ameaça de que um modo fascinante de se contar histórias torne-se um vício, deixando seu autor dependente. Mas, por enquanto, somos presenteados com A Origem, um dos filmes mais espetaculares e intrigantes desse ano que se passou.

Indicações ao Oscar 2011:

Melhor Filme

Melhor Roteiro Original

Melhor Trilha Sonora

Melhor Edição de Som

Melhor Mixagem de Som

Melhor Direção de Arte

Melhor Fotografia

Melhores Efeitos Especiais

Leandro Samora

Crítica: Cisne Negro

Uma das vantagens do balé sobre o cinema é que no teatro, ao fim da apresentação, você pode se levantar e aplaudir sem problemas. Na sala de cinema isso pega um pouco mal – principalmente se você for o único aplaudindo – e foi só pela vergonha que eu fiquei quieto ao final de Cisne Negro (Black Swan, 2010). Mas por dentro, minha cabeça estava a mil.

Isso parece ser uma constante no cinema do diretor Darren Aronofsky. Seus filmes não são rapidamente digeridos. Eles ficam dias e dias rondando sua cabeça, incomodando, surpreendendo. Ele é o tipo de diretor que faz você sentir vontade de ficar algum tempo sem ver outro filme após assistir uma obra sua, para não “contaminar” suas impressões sobre o que acabou de se ver.

Cisne Negro gira em torno da história do balé O Lago dos Cisnes, de Tchaikovsky. No drama, a Rainha Cisne é uma donzela apaixonada sob um feitiço que a transforma na ave branca durante o dia. Somente o amor de seu escolhido a libertaria da maldição, mas a moça é trapaceada por sua “gêmea má”, o Cisne Negro e não encontra outra saída senão a morte. O francês Vincent Cassel interpreta o coreógrafo que pretende uma adaptação “mais viceral” da peça com sua companhia. Para essa nova versão, pretende escalar uma única bailarina para interpretar ambos os cisnes, o branco e o negro. Em outras palavras, alguém capaz de incorporar o bem e o mal com a mesma graciosidade e perfeição.

A “princesinha” da vez é a bailarina Nina (Natalie Portman, com o papel que muito possivelmente irá lhe render seu primeiro Oscar). Nina é a artista quase ideal: perfeita na versão bondosa, mas falta-lhe energia para encarnar a maldade. Pressionada pelo coreógrafo, que é uma espécie de arquétipo literário da entidade que corrompe o herói – como por exemplo Lord Wotton no Retrato de Dorian Grey – Nina passa a ficar obcecada pela personagem. A garota virginal procura então meios de deixar sua pureza de lado e trazer à tona o aspecto mais carregado que traz preso em seu íntimo para ver aflorar então as escuras asas do Cisne Negro. O que acontece a partir daí é uma viagem psicológica que faz confundir realidade e fantasia.

As oposições e o senso de dualidade dão o tom do filme. Nina precisa deixar de lado a vida de excessiva proteção e projeções empenhada pela mãe, uma bailarina frustrada, como a única maneira de se alcançar a perfeição para o novo papel. A batalha interna da personagem, seus dois lados duelando a todo instante, se exterioriza no filme através de elementos visuais: a oposição nas cores das roupas de Nina e sua nêmesis, a decoração da casa do coreógrafo, opondo branco e preto, luzes e sombras (com direito até a quadro com teste de Rorschach). Conforme a bailarina vai se afundando em sua obsessão, seus delírios vão tomando forma e são essas cenas que tornam Cisne Negro mais rico. Aronofsky não lança mão de recursos muito originais para mostrar esses momentos, mas o cineasta faz isso com tanta sutileza quanto os movimentos de braços de Natalie Portman, que aprendeu a dançar especialmente para o filme. Rostos nas sombras, fotografias e tatuagens que se mexem em movimentos suaves, reflexos sutis… em muitos momentos o espectador compartilha da dúvida da protagonista e não é capaz de dizer se realmente viu algo ou se apenas imaginou.

Entretanto o elemento chave que Aronofsky utiliza é o jogo com os espelhos. Há toda uma função prática e também simbólica com os objetos no filme, presentes em todas as sequências. Além de ser figura comum ao universo de treinos e ensaios do balé, o espelho também traz a idéia da dualidade, do jogo entre o real e a representação. Então a todo momento se vê ele lá, ajudando o diretor a preencher os espaços numa cena, dando profundidade ou ajudando na ilusão do jogo de imagens. Também está lá na cena em que se vê a personagem de Mila Kunis saindo do corpo de Natalie Portman e dando a dúvida da presença das duas na mesma sequência ou definindo o final da história.

Cisne Negro é um filme fantástico, que instiga o espectador e inunda a sala com cenas muito bem coreografadas, a trilha clássica do balé criando a atmosfera de mistério. Cria confusão, gera dúvidas, dá nó na cabeça, encanta com a atuação e a evolução de Natalie Portman, que domina quase todo o tempo de tela. E quanto ao diretor Darren Aronofsky, a única coisa que você consegue pensar ao final do filme é “E não é que esse filho da p*#$ conseguiu de novo??”.

PS: Ah, Xexéo… vai ser jurado da dança do Faustão, vai…

Indicações ao Oscar 2011:

Melhor Filme

Melhor Diretor (Darren Aronofsky)

Melhor Atriz (Natalie Portman – Nina Sayers)

Melhor Fotografia

Melhor Edição

E enquanto a gente não termina o especial deste ano, que tal dar uma olhada no do ano passado??

Confira os indicados em versão LEGO!

E fiquem ligados no Especial Oscar 2011 do Porca Pipa!! Breve!

Fonte

Ahn… oi?

do Eramos6

A internet conecta pessoas de todos os tipos e, assim, as mais diferentes relações são estabelecidas de forma virtual. Quem acompanha a vida on line provavelmente já se deparou, de alguma forma, com o fenômeno Troll, uma espécie de bullying virtual, no qual as pessoas, protegidas pela segurança do anonimato, se reúnem para massacrar verbalmente alguém.

De toda forma, em meio a essa onda toda, há exemplos de pessoas que se valem das comunidades on line para fazer o bem. A história que se segue é a de Tom Vasel, um simpático e gordinho nerd que alçou certa fama num círculo específico. Tom é apaixonado por jogos de tabuleiros e posta resenhas que muito ajudam jogadores hardcore como ele. Recentemente, Tom passou por um problema bastante sério em sua família e logo, a comunidade geek se mobilizou para ajudá-lo da forma que podiam. Nada de trollagem ou sacanagem, apenas boas pessoas mostrando o poder que a Internet tem quando é necessário se fazer o bem.

A história completa está um pouco grande mas vale a pena a visita. O post é lá do Gizmodo. Confira a história de Tom Vasel aqui!

…but I’m a creep…

Indeed